emoragei magazine

BLACK ANGELS, THE - Psychédéliquement vôtre

Marc-André Pilon — 2013-05-17T16:00:00Z

J'avais découvert Black Angels lors de leur tournée pour Passover au Main Hall en 2007. Ils faisaient alors la promotion de l'ambitieux Passover et partageaient la scène avec les hirsutes Vietnam. Les albums suivants m'ayant quelque peu laissé sur ma faim, je n'avais pas suivi le groupe en tournée depuis. Cette fois-ci, l'occasion était bonne, c'est le groupe Allah-Las qui s'occupe de la première partie.

En six ans, le groupe a gagné en professionnalisme et en son. Toujours aussi taciturne, on enchaîne les pièces et les atmosphères, encore psychédélique, mais plus lourde qu'avant, sans trop de contact avec l'auditoire. Le son de la salle est correct, mais le mur de bruits que nous balancent les amplis, synthé et batterie compense pour les lacunes.

J'ai eu la chance d'interviewer Alex, le leader du groupe avant le concert. Malchance par contre, la caméra fixe qui devait servir de caméra principale ne fonctionne pas bien et donc, je dois me rabattre sur le iPhone 3gs qui n'est pas reconnu pour la qualité de l'appareil photo.

HOOP, JESCA - The House That Jack Built

Nicolas Pelletier — 2013-05-16T16:00:00Z

(4/5) Charmant – très charmant ! - album d'une artiste à la voix assurée, à l'originalité assumée et au sens mélodique développé. Cette américaine originaire de Santa Rosa en Californie chante comme une vétérane alors qu'elle n'a que 38 ans et quatre disques et deux EP derrière la cravate !

Quelques passages de son parcours de vie expliquent sans doute cette assurance. Née dans un environnement mormon, la jeune Jessica Alba Hoop chante des airs folk traditionnels dans une chorale. Elle quitte cette culture lorsque ses parents divorcent et s'occupe d'enfants au Wyoming et en Arizona, travaillant également dans un centre de réhabilitation pour enfants. Elle devient ensuite la « nanny » des enfants de Tom Waits et Kathleen Brennan (son épouse qui coécrit et réalise les albums de son célèbre mari).

Elle griffonne ses premières chansons à cette époque, ce qui fera dire à Waits que « les chansons de Jesca Hoop sont comparables à une baignade dans un lac en soirée ». Il n'en fallait pas plus pour que Columbia Records signe le jeune talent, livrant son premier opus « Kismet » en 2007, pour ensuite rapidement abandonner l'artiste à son propre sort. Hoop ne se décourage pas et tourne en support de plusieurs groupes comme Elbow, Polyphoric Spree, Mark Knopfler et Andrew Bird. Elle déménage à Manchester pour enregistrer un second disque en 2009, « Hunting My Dress », sous l'aile de Guy Garvey, chanteur d'Elbow. En 2010, elle s'implique dans un projet venant en aide aux femmes congolaises, part en tournée avec The Eels puis devient choriste de tournée pour Peter Gabriel (2011) dont on sent aussi l'influence.

De prime abord, elle charme par son fort accent, unique dans le paysage sonore. Les empreintes culturelles se font sentir dès le premier titre, Born To, basé sur un riff de mandoline et comprenant un bridge plus traditionnel en milieu de morceau. Dès le second, Pack Animal, on craque pour cette voix qui s'expose davantage et ces fortes mélodies immédiatement mémorables, sans jamais être télégraphiées. Il y a un peu de Florence + The Machine dans l'ambiance globale chez cette Jesca Hoop, qui retient toutefois plus d'Aimee Mann, de Tanya Donnely dans son œuvre en général, avec une touche de tUnE-yArDs pour le côté original du produit fini.

Cette musicienne fait exactement ce qu'on attend d'une artiste : un rock allumé, aux multiples airs successifs, toutes aussi captivantes les unes que les autres (écoutez bien Ode to Banksy, à la Cate LeBon) variant les ambiances d'un morceau à l'autre (l'étrange Dig This Record), un talent qu'on n'avait pas vu de façon aussi évidente depuis Beck ! Découvrir chaque élément musical à travers la dense forêt des arrangements de Jesca Hoop. Lancer des refrains archipuissants de façon aussi efficace et soudaine qu'elle le fait dans les derniers instants de When I'm Asleep n'est pas donné à tout le monde !

Elle est aussi tout à fait capable de produire de jolies chansons plus folk (D.N.R.) ainsi que de prendre un virage plus lugubre, à la Kandle ou Cat Power (Deeper Devastation) avec un panache vocal beaucoup plus imposant que ces deux dernières artistes, d'où le rapprochement évoqué avec Florence Welsh.

Desc. : Indie pop
R.S.V.A. : Beck, Cate LeBon, Gabrielle Papillon

FEMMINIELLI, BERNARDINO - Shanghai, c'est beau

Frédérick Galbrun — 2013-05-15T16:00:00Z

(4/5) Selon la source sûre qu'est Wikipedia, « femminielli » en italien voudrait dire « petites femmes » et désignerait des transgenres dans la tradition théâtrale napolitaine. Mais bon, rien ne nous assure que ce ne soit Femminielli lui-même qui ait crée cette page. Car à l'écoute de son plus récent disque, on s'aperçoit qu'il brouille les lignes entre l'expérimental et le kitsch et qu'il exploite les signifiants sexuels à même son nom.

Le montréalais Bernardino Femminielli s'est imposé discrètement sur la scène musicale locale ; un premier cd-r d'explorations sonores aux synthétiseurs analogiques, avec des références évidentes à Klaus Schulze et Tangerine Dream, lui a permis de s'inscrire dans cette résurgence des synthés analogues, propre à la scène expérimentale. S'ensuivit d'autres parutions dans le même ton en cassettes et cd-r, construisant une aura particulière autour de ses enregistrements, quelque chose de mystérieux, d'insaisissable et initiatique. Alors qu'il s'est contenté à ses débuts de longues pièces planantes instrumentales, il a pris un tournant majeur dans ses spectacles, en intégrant des boîtes à rythmes et en chantant des paroles incompréhensibles en espagnol (ou italien ?), car noyées dans les circuits des pédales d'effets. Dès lors, au fil des concerts, on a pu assister à sa métamorphose ; passant d'un « geek » de musique de synthétiseur, à un crooner décadent à veste de cuir et moustache « Mercuryenne », libérant la sauvagerie du sexuel dans des performances mélodramatiques.

Par ailleurs, son implication en tant que joueur du synthétiseur avec le groupe Dirty Beaches l'a mené à faire des tournées européennes de longue haleine et lui a permis de présenter son personnage sur d'autres scènes. C'est en multipliant les contacts qu'il a pu sécuriser la sortie d'un premier album en vinyle sur le label britannique Clan Destine. Sur « Shanghai, c'est beau », Femminielli continue son exploration des musiques planantes analogiques et des rythmes synthétiques. Cependant, les paroles sont maintenant récitées en français et Femminielli semble désormais emprunter à Gainsbourg dans la façon où il déclame ses textes d'une voix chaude et grave, en faisant l'éloge d'un amour débilitant, ou l'autre est objectifié.

Le disque débute par la longue pièce instrumentale « Auto-Stoppeuses (première partie) » et Femminielli nous entraîne dans un monde angoissant, frôlant la psychose, quand l'effraction du sexuel dans le réel vient délier les signifiants. Même la rythmique passagère, celle d'une course folle en voiture cauchemardesque, ne nous permet pas de nous départir de l'intrigue ; quant à savoir qui de la biche ou de l'auto-stoppeuse à survécu à l'impact, aveuglée par les phares. Quand « Le pacte » débute, la ligne de basse suave et minimale de Jean-Sébastien Truchy, est un contraste majeur avec l'ambiance atmosphérique qui précédait, permettant aux premières paroles de s'y faire entendre. La face B débute de façon toute aussi oppressante avec une courte pièce instrumentale et plus loin, sur la chanson titre, Femminielli reprend le micro pour se faire accompagner par des voix éthérées ainsi que le saxophone faux et distant de Francesco De Gallo (de Hobo Cubes). La rythmique, digne d'un film science fiction série B des années 80, nous entraîne toujours plus loin dans une trame narrative hypersexualisée. Les paroles sont inspirées ou empruntées à un ami, un certain Joseph Edmond Vincent Leduc et quoique hautement imagées et intrigantes, elles mélangent la métaphore et le conversationnel à la limite du cadavre exquis, finissant par perdre le sens et la direction. Le caractère angoissant des plages instrumentales de l'album et le côté sexualisé du personnage, pourrait permettre à Femminielli de pousser les paroles vers une esthétique sadienne, pour oser aller plus loin et leur donner une portée, s'il est prêt à l'assumer.

Au final, l'album est une trame sonore parfaite pour un « giallo » classique qui mélange meurtre, érotisme, angoisse et mysticisme. Par ailleurs, les références avec « 20 Jazz Funk Greats » de Throbbing Gristle sont troublantes ; les rythmiques synthétiques, les lignes de synthés oppressantes, les paroles susurrées et sexualisées… Tout y est pour nous faire croire à un emprunt esthétique, le côté industriel en moins. Cela n'enlève rien à la beauté du disque de Femminielli, au contraire, il nous donne plutôt le goût de plonger dans la discographie de ce groupe mythique. Avec « Shanghai, c'est beau », Bernardino semble transmettre le côté étouffant, angoissant, lié au port du masque ; lorsque les trous pour le nez sont trop petit et que se fait sentir la crainte de disparaître à tout jamais derrière le personnage. Car à force de porter le masque, nous finissons par le devenir disait Nietzsche.

Desc. : Italo-disco noir psychédélique.
R.S.V.A. : Throbbing Gristle, John Carpenter, Klaus Schulze

FOALS - Chevauchée fantastique

Cynthia Quellet — 2013-05-14T16:00:00Z

22h10 - Les lumières s'éteignent sur un Club Soda archi-complet pour accueillir le quintet anglais. Morceau instrumental en guise d'ouverture, Prelude, également premier titre du dernier album de la formation d'Oxford, Holy Fire, sorti en février dernier. Avant cela Antidotes (2008) et surtout Total Life Forever (2010) leur ont valu louanges et succès que l'on sait. Six ans que les cinq amis redonnent de l'oxygène au rock britannique ; normal que Montréal se bouscule pour les voir !

En piochant savamment dans leur back catalogue pour accompagner les chansons du nouvel opus, Foals a vu juste. Les premières notes de Total Life Forever retentissent à peine qu'on commence à s'agiter. On se dit que ça va être bon, très bon. Et ça le sera. Les airs funky du hit My Number sont d'une efficacité redoutable. Les touches électro de Bad Habit, les guitares pesantes d'Inhaler et Late Night, l'excellente Providence… tout est délivré à la fois avec passion, et avec précision. À l'image de Yannis Philippakis, leader chanteur et guitariste, qui du haut de ses 26 ans impulse une dynamique et une émotion remarquables. Une prestance, une voix, une plume, des riffs de guitare éclatants et un enthousiasme le poussant à aller jouer au milieu du public, tantôt les pieds sur le plancher, tantôt se laissant porter par les bras levés. Surprenant, et juste en même temps. La foule n'en demandait pas tant, alors quand il se jette littéralement au balcon, grimpant dans les hauteurs du Club Soda, ou quand d'un coup on le voit surgir derrière soi, on en reste cois.

On pense parfois à Grizzly Bear, plusieurs fois à The Cure, on me souffle un « Il y a du Echo & The Bunnymen, là-dedans », mais au-delà des comparaisons, le style Foals est un style en soi, un style qui se transpose merveilleusement sur scène avec juste ce qu'il faut de puissance et de retenue. Si on a décroché pendant cinq minutes de ce concert d'une heure trente, c'est bien le maximum. Pourtant les chemins que nous fait prendre Foals sont tortueux, mais puisque la magie opère, on est prêts à les suivre, à escalader, à plonger. Ils s'éclipsent au bout d'une heure quinze, avant un rappel de trois titres en version étirées dont Stepson et Inhaler qui clôtureront une très belle soirée. Un show rock, vrai, étonnant, qui transpire la sincérité, sans artifice et sans clichés. Holy Fire n'est peut-être pas un album des plus accessibles au premier abord mais après une expérience comme celle-là, on ne pense qu'à les réécouter, encore et encore, lui et les deux autres. Chapeau bas les poulains.

MUDHONEY - Vanishing Point

Jeff Bugz — 2013-05-13T16:00:00Z

(4/5) S'il y a une chose qu'on ne peut reprocher à Mark Arm et sa troupe, c'est la constance, puisque depuis plus de vingt ans il nous sert un rock sale dérivé du punk et du rock garage sans jamais se compromettre. Artistes intègres, simples et uniques, les membres de Mudhoney n'ont jamais véritablement couru après le succès mais ont bien voulu de lui pour vivre un bout de temps. Il est toujours plaisant de pouvoir vivre de son art à déjà raconté le leader du groupe.

Vanishing Point semble un peu plus travaillé comme album si on compare à son prédécesseur The Lucky Ones, qui était tout de même bien intéressant mais moins bien fignolé que celui-ci en bout de ligne. Tout au long de l'écoute de Vanishing Point, vous découvrirez vos morceaux favoris, certains opteront pour la très Green River-esque Douchbags On Parade, tandis que d'autres préférerons la Stooges-esque I Don't Remember You.

Comme auparavant vous y trouverez tout ce qui fait de Mudhoney le groupe grunge par excellence, un soupçon de rock garage, un peu de punl, du stoner, quelques dérivés de blues sale psychédélique sur une trame tout à fait pop et entrainante.

Sans ne rien enlever aux derniers albums de Mudhoney, Vanishing Point pourrait fort bien être la suite d'un disque comme My Brother The Cow paru en 1995, le son du groupe n'ayant pas vraiment évolué, les musiciens optant pour la qualité (facilité) et la constance plutôt que la nouveauté. Vous pourrez mieux connaitre Mudhoney et leur histoire en regardant l'excellent documentaire I'm now.

Desc. : Grunge, garage-rock
R.S.V.A. : Iggy and the Stooges, Nirvana, Scientists

STETSON, COLIN - New History Warfare Vol. 3 : To See More Light

Frédérick Galbrun — 2013-05-10T16:00:00Z

(4/5) Sur ce dernier volet de sa trilogie, Colin Stetson suit la progression logique qui se déploie depuis le premier disque sorti il y a six ans. Il suit une direction beaucoup plus lyrique, mettant de plus en plus d'emphase sur sa propre voix. Cela semble s'imposer comme la seule avenue logique qui lui est permis de suivre, afin de dépasser les contraintes que sa technique lui impose. Car même s'il cherche à disparaître et fusionner avec son instrument, Colin Stetson n'est pas un saxophone. Outre le fait de mourir (ou d'arrêter de respirer), il ne semble pas humainement possible d'aller plus loin que la respiration circulaire. Il peut toutefois essayer de faire comme Genesis P-Orridge et travailler une nouvelle esthétique du corps, en se faisant greffer un autre poumon et un autre larynx, mais on semble encore loin de cet état des choses. Les seules possibilités « humaines » qui s'ouvrent à lui, sont donc l'exploration de la simultanéité de la voix et du souffle et les possibilités sonores offertes par l'architecture des différents saxophones utilisés. À cet effet, le saxophone baryton s'affirme comme étant le plus intéressant, de par la possibilité de superposer deux tonalités différentes dans le haut et le bas de l'instrument et d'y faire travailler le souffle.

Ce sont les limites physiques qui marquent la temporalité dans les constructions sonores de Stetson. On s'aperçoit des quelques heurts qui ramènent au réel, à un impossible de disparaître, sauf dans la mort. Cela nous introduit à la question du souffle et si, par la technique de respiration circulaire, Stetson veut nous faire croire à des qualités surhumaines, ont est vite leurré. Car il n'échappe pas au rythme, à la scansion, à ces moments imperceptible où une respiration enchaîne sur une autre et où le nouveau souffle interpénètre l'ancien, nous donnant l'impression d'une continuité. Tout comme à l'intérieur de cette apparente linéarité du temps et de la vie, certains moments marquent le rythme, la répétition, et préservent un certain niveau de familiarité, nous empêchant de nous dissoudre dans le son continu. Ce souffle permet de coucher les bases d'un bourdon modal d'où émergent des notes différentes venant d'octaves plus hautes, soubresauts retenus des pointes de réel, qui tentent de s'échapper. La résonnance dépasse le cadre de la musique occidentale et on ne navigue plus dans le cadre convenue de la gamme tempérée.

Au départ on reconnaît la familiarité, le cycle répétitif de Stetson et on se pose la question du lieu où il est possible pour lui de nous amener. On reste donc avec cette première impression d'écouter la suite de son album précédent, utilisant la même recette gagnante, la même logique. Cette impression perdure jusqu'à ce que se fasse entendre la pièce « Brute », qui vient rendre les choses beaucoup plus intéressantes. Dans les cliquetis du saxophone, la machine prend corps et commence à faire parler ses parties oubliées, dans une somatisation de ses potentialités inexplorées. On ne peut encore que saluer le travail de maître derrière la captation sonore, ainsi que l'apport de Ben Frost, qui n'est pas sans rappeler ses propres disques, en particulier « By The Throat ». C'est donc dans les moments plus viscéraux que Stetson est excitant, qu'il donne l'impression de réaliser un exploit physique, comme sur les 15minutes de « To See More Light ». Parallèlement, on assiste à l'émergence de la voix (au-delà de la parole) ; le chant de Stetson bien entendu, beaucoup plus présent, mélodique et lyrique, mais aussi celui de Justin Vernon de Bon Iver sur « And In Truth ». Stetson continue également à rendre hommage au folklore afro-américain du début du siècle dernier, avec une reprise de « What Are They Doing in Heaven Today ? » de Washington Phillips, interprétée par Justin Vernon.

Depuis ses débuts, Colin Stetson peaufine son art et travaille à la maîtrise d'un genre musical qu'il est en train d'inventer. En mélangeant la musique contemporaine, le jazz (ce qu'il en reste) et un côté plus pop, il a trouvé un créneau qui lui sert et lui permet de jouir d'une certaine reconnaissance populaire. Une reconnaissance qui lui a permis, entres autres, de jouer autant sur « Blonde » de Cœur de Pirate que de collaborer avec Mats Gustafsson... Il semble qu'il vient clore cette trilogie guerrière d'une façon optimiste ; les rayons de soleil traversent finalement les brumes du champ de bataille. Dans cet instant où on arrive à croire à la paix, quand on sort enfin de l'obscurité.

Desc. : Avant-pop/musique actuelle
R.S.V.A. : Bon Iver, John Butcher, Evan Parker

BRICK & MORTAR LOVE -

Jeff Bugz — 2013-05-09T16:00:00Z

(3/5) Documentaire sur l'histoire de la boutique de disque Ear X-Tacy fondée en 1985 dans Highlands, Louisville USA. La boutique qui a connu un modeste début c'est rapidement transformée en grande surface, comparable à ce qu'offre les HMV méga store ou Virgin que nous avons connus. Cependant avec beaucoup de matériel local, des tonnes de vinyles, du neuf, de l'usagé, des employés connaisseurs, un look indie, une scène pour les performances gratuites régulières, une belle mais immense boutique de 10 000 PC !

C'est évidemment c qui tuera le magasin, les idées de grandeurs dans une petite ville, une surface beaucoup trop grande et coûteuse, et plusieurs appels à l'aide aux citoyens pour sauver la boutique dont un spectacle bénéfice. Le propriétaire a tout fait pour ne pas déménager sa boutique mais comme vous pourrez le constater dans le documentaire il en sera bien forcé un jour ou l'autre ! Le tout n'est pas sans rappeler le film Empire Records, avec la jolie Liv Tyler en moins !

Certains blâmeront les téléchargements illégaux, certains blâmeront des véritables grandes surfaces qui vendent les albums à prix dérisoire, mais au bout du compte on pourrait aussi penser qu'en fait la qualité d'entrepreneur du patron n'y était pas tant que ça, pas qu'il faut sous-estimer ses multiples tentatives de garder le tout tel quel mais lors de l'écoute du film il ne semble pas avoir fait de concessions pour essayer de s'en sortir plus rapidement.

J'ai été plus captivé par ce documentaire que Last Shop Standing à ma grande surprise, une location de celui-ci s'impose autant pour l'amateur mélomane que les passionnées des disquaires ou encore les propriétaires de petites entreprises qui pourront sans doute apprendre de ses erreurs et ne pas trop rêver grand, parfois, permet de survivre.

Vous avez aimez ce texte ou ce documentaire ? Voir aussi I Need That Records (2008) DVD.

ALLAH-LAS - Les sixties en 2013

Marc-André Pilon — 2013-05-08T16:00:00Z

Le premier disque des Allah-las est paru il y a quelques mois. Avec un son fermement ancré dans le Los Angeles de la fin des années 60, le groupe a bien assimilé le côté surf et pop-rock de l'époque pour nous donner quelque chose d'à la fois vintage et pertinent.

L'attitude ultra cool qu'ils ont pendant leur performance est en fusion avec cette même qualité qui est présente dans leur musique. Même si la sono au National n'était pas à son mieux (faut dire qu'ils jouent pas mal moins fort que les Black Angels dont ils assument la première partie), le quatuor rend justice aux sonorités de l'album. Pour la plupart des pièces, on y va de la formule guitare acoustique, guitare électrique (au début, je croyais que c'était une Rickenbacker, mais non, il s'agissait d'une Murph, guitare produite dans le sud de la Californie dans les années 60), basse et batterie, formule on ne peut plus simple, mais grandement efficace lorsqu'elle est bien amenée, comme ce fût le cas ici.

Les Allah-Las sont donc originaires de L-A, et quand on leur demande quel est l'avantage d'y rester, les gars n'ont que de bonnes choses à dire de leur ville. « La proximité de bons disquaires, pleins de clubs sympa pour les shows et des groupes locaux extraordinaires. Nous aimons la musique de partout dans le monde, et écoutons différents genres, mais nous ressentons une plus grande connexion avec les artistes, d'hier comme d'aujourd'hui, qui font ressortir le côté romantique de la Californie. »

En voyant leur État natal au travers du regard d'artistes comme Arthur Lee et Love, des Beach Boys, de Rain Parade, de Beachwood Sparks, d'Ariel Pink, etc., cela leur permet de bonifier ce qu'ils aiment à propos de leur région, tout en les amenant à tenter de créer leur propre interprétation du son et du « feel » de l'endroit.

Si la tournée avec les Black Angels se déroule bien, le groupe est très content d'y avoir fait la rencontre avec les Montréalais Elephant Stone qui jouent en premier. « Nous avions fait notre propre tournée dans le sud des États-Unis avant de nous joindre au Black Angels. La tournée est super. Nous ne connaissions pas Elephant Stone avant et ils sont maintenant parmi nos groupes favoris. »

Première visite en sol montréalais gratifiée d'une tempête de neige printanière, Allah-Las foule tout de même les planches du National en nous partageant le soleil californien. Les mélodies, à défaut d'être très originales, sont très catchy et les harmonies et chœurs très justes. J'avais un peu peur que tous ces éléments de l'album soient mal transposés sur scène, mais ce n'était aucunement le cas.

On peut suivre les Allah-Las avec leur émission Reverberation ((http://reverberationradio.com ), et, connaissant leurs goûts musicaux, j'ai demandé aux musiciens de nous recommander leurs incontournables par décennies, alors, les voici :

1950 : Eden Ahbez, Chico Hamilton
1960 : Love, Beach Boys, Kinks, Velvet Underground
1970 : Jonathan Richman, Big Star
1980 : Rain Parade, Gun Club
1990 : Spacemen 3, The Feelies
2000 : Beachwood Sparks, Belle & Sebastian
2010 : Nick Waterhouse, white fence

Tell me (what's on your mind)

PALMA VIOLETS - Éruption britannique

Cynthia Quellet — 2013-05-07T16:00:00Z

On a eu chaud samedi soir au Club Lambi. Même si la météo estivale nous a fait préférer un apéro en terrasse à la première partie du concert, Guards, on avait hâte de voir en chair et en os, LE groupe sensation du moment chez nos amis anglais : Palma Violets. Encensés par la critique, des Inrocks au NME en passant par la BBC, les 4 post-ados ont sorti leur premier album, 180, en février dernier, chez Rough Trade (Voir critique). L'album porte le nom du studio / local artistique de Lambeth à Londres, dans lequel l'identité rock garage, psyché, punk de Palma Violets est née : leur antre.

22h15 – Le public est à l'heure, le groupe aussi. Le temps que leur ami qui tient la table de merch déboule sur scène, ''chauffe'' la salle et fasse avancer tout le monde au plus près, et nous voilà en place, au milieu d'une fumée persistante. Jusque là on avait chaud, maintenant on bout.

Une chanson à peine, et on se dit qu'on a bien fait de venir : le volcan Palma Violets entre en éruption presque instantanément. Les deux chanteurs, Alexander "Chilli" Jesson, à la basse, et Samuel Thomas Fryer, à la guitare, emmènent le set sur un rythme plus qu'endiablé. Le premier, la voix plus aiguë, trublion charismatique de la bande, se donne à 200%, y va d'une accolade avec les spectateurs entre deux titres et maintient une connexion constante avec un public qui s'en donne à cœur joie. Le second, la voix plus enveloppante, se jette moins dans tous les sens mais s'assure d'emmener les chansons jusqu'au bout même lorsque son micro est perdu au milieu des fans, montés sur scène, pour venir participer à la fête !

On se sent flottés, proches, absorbés. Le Club Lambi pourrait tout aussi bien être leur studio 180. Ils y jouent pour de vrai, dans l'amitié, dans la fusion, dans l'urgence. Des potes qui prennent leur pied en balançant du rock comme s'ils étaient dans leur garage mais qui font ça comme des pros. La très efficace "Best of Friends", lave rock bouillonnante, nous avalera tout entier, tout comme les accents punk de "Chicken Dippers" et même la succincte "14" qui ne se résume pourtant qu'à la répétition de deux ou trois phrases. Ce n'est certes pas tout très abouti, mais sur scène ça prend flamme, ça prend vie. Le clavier est parfois un peu étouffé, la guitare pas toujours très audible mais la fièvre est là.

Plus en retrait, William Martin Doyle (batterie) et Jeffrey Peter Mayhew (clavier) se feront respectivement remarqués, un debout sur son tabouret laissant tomber les baguettes du plafond, l'autre gesticulant de tout bord et donnant de la voix pendant le rappel, sur la chanson cachée de l'album, ''Brand New Song'', titre pendant lequel le public sera invité à monter rejoindre la joyeuse bande. Avec un seul album à leur actif, on anticipait aisément un petit 50 minutes de show mais tout comme on a savouré chacune des 55 minutes de leurs compatriotes alt-J voilà quelques semaines, samedi soir on s'est laissé prendre par l'intensité et la fougue contagieuses de Palma Violets. On s'extirpe de l'étuve, une bonne dose de rock dans les veines, contaminés.

SAVAGES - Silence Yourself

Émile Foucher — 2013-05-06T16:00:00Z

(3/5) Du Punk féminin bien senti, gracieuseté du groupe londonien Savages, critique et écoute de leur premier album Silence Yourself !

Véritables bêtes de scène, le groupe composé de Jehnny Beth, Gemma Thompson, Ayse Hassan et Fay Milton se fait acclamer partout où il passe ; du festival Coachella en Californie jusqu'à sa nomination de « Sound Of 2013 » par la BBC.

Une chanteuse frôlant la folie, sur des pièces comme She Will et Husbands, en empruntant la répétition parolière haletante de Kim Gordon des Sonic Youth, une basse mélodique accrocheuse sur la pièce d'ouverture Shut Up et l'utilisation de refrains rassembleurs sur des pièces comme No Face, font honneur à l'énergie brute déployée sur scène qui a tant contribué à faire leur renommée.

D'autres pièces plus langoureuses comme Strife ou Waiting for a Sign misent sur les envolées lyriques de la chanteuse et les guitares empreintes de distorsions tandis que Dead Nature ressort du lot grâce à son côté expérimental, caverneux et atmosphérique. Notons aussi une finale imprévisible sur Marshal Dear où le piano classique et le saxophone rencontre les compositions punks-sauvagesses du quatuor féminin ; finale intéressante et soi-disant surprenante, qui a pour effet de raccrocher l'intérêt de l'auditeur en fin d'album.

Bref, Savages nous offre un premier essai intéressant qui accote facilement les meilleures parutions actuelles du genre (Palma Violets, Deap Vally) et prouve involontairement, mais forte heureusement, qu'il est encore possible en 2013 de créer des compositions musicales pertinentes, entre femmes, sans une utilisation gratuite et accrue de son image corporelle.

Desc : Post-punk
R.S.V.A : Autoclave, PJ Harvey, Sonic Youth