emoragei magazine

TWIN SISTER - In Heaven

Vanessa Hauguel — 2012-02-08T15:10:00Z

(4.5/5) Après deux EP qui leur ont valu de belles et de bien flatteuses comparaisons (Cocteau Twins entre autres), Twin Sister s'est lancé avec corps et âme dans l'album In Heaven, digne d'autres éloges. En effet, le résultat confirme, sinon témoigne, d'un talent plus grand qu'on ne se l'imaginait.

Le quintet tout droit sorti de Long Island, New York, a bien su affuté ses mélodies et ses inspirations, révélant aujourd'hui un fin mélange de pop lumineuse et rêveuse, d'électro-funk rétro et d'acoustiques lunaires. Le son de Twin Sister s'est non seulement peaufiné, il est devenu unique. Ce minutieux assemblage devient une invitation à un imaginaire distinct recelant de torpilles de couleurs, de vents dansants et d'objets non identifiables brillants : textures foisonnantes et rafraichissantes, sur des tons pastels éclatants. Somme toute, une musique composée d'une panoplie d'œuvres et d'influences, toutes imagées et évocatrices.

L'ordre des chansons sur l'album en lui-même semble bien précis, parfaitement ordonné pour nous faire absorber avec lenteur ce fruit aux multiples pelures et saveurs. Pas à pas, on expérimente l'album lentement au début, goûtant à l'univers de Twin Sister. Lorsque Kimmi in a Rice Field se fait enfin entendre, c'est le déclic, l'oreille se tend plus loin.

Les subtilités délicatement enchevêtrées sur In Heaven se découvrent et se déclinent dans une ambiance musicale riche, tant en sonorités qu'en émotions, comparable en effet à Cocteau Twins. Les jumeaux sont de connivence il faut croire.

Si certains trouveront chez Twin Sister des airs prétentieux de néo-hispters, égocentriques ou des airs hédonistes aigus, on comprend rapidement que l'enveloppe recèle pourtant d'une pop bel et bien riche et bien travaillée. Muni de reflets funk et disco, juste assez flashy, l'album devient vite irrésistible. On retrouve en chemin, la grâce de Camera Obscura et le zèle de Stereolab. Un album qui peut s'avérer un peu difficile à cerner de prime abord, mais le meilleur vient à ceux qui savent attendre. C'est d'ailleurs sans doute tous ces filons plus complexes qui lui confèrent une sensibilité et une identité propre. Une dose parfaite de dream pop éthérée aux atmosphères à la fois complexes et délicates. In Heaven ne se fera pas prier pour qu'on l'écoute encore et encore.

Desc. : Dream pop
R.S.V.A. : Beach House, Camera Obscura, Cocteau Twins

KILLS, THE - À l'état sauvage

Cynthia Quellet — 2012-02-07T20:43:41Z

Quelle belle surprise de voir que le public était au rendez-vous dimanche soir à L'Olympia pour venir applaudir Jamie Hince et sa partenaire Alison Mosshart : le duo rock de The Kills. Pas évident de jouer le jour de la finale du Super Bowl, mais ceux qui ont fait le déplacement en ont eu pour leur argent. Les rugissements de l'américaine incendiaire mêlés aux distorsions du rockeur britannique c'étaient quand même autre chose que le playback de Madonna !

C'est sur un fond imprimé panthère que les deux complices font leur entrée sur scène. Visiblement très agitée, la belle commence d'entrée de jeu à faire les 100 pas, à coup de grandes enjambées, comme un lion en cage. Jamie Hince en place, les premiers riffs retentissent, agitant sa crinière de feu, Alisson Mosshart rugit, danse avec son micro, le traîne avec elle au bord de la scène pour venir caresser le public. Le ton est donné, la boîte à rythme calibrée et les jeux de lumières bien dosés : l'ambiance à d'emblée quelque chose d'électrique, d'animal.

Quand leurs guitares s'approchent la tension est palpable. Ils alternent avec fougue, titres de leur dernier album, Blood Pressures, et valeurs sûres de leur back-catalogue : entre autres Kissy Kissy, U.R.A. Fever, Baby Says, Future Starts Slow et Black Balloon. Les deux « bandits robotisés » devant leurs tambours n'y changeront rien : avec son allure féline et sa démarche chaloupée, c'est sans conteste la tigresse qui mène la danse. Sur scène il n'y a qu'elle & lui, tels deux fauves qui s'apprivoisent, qui se défient.

La reprise de Patsy Cline, Crazy, fut un des moments forts, quasi théâtral. Réfugiés chacun à un bout de la scène, lui adossé au mur, elle assise sur le rebord de la fenêtre balançant les jambes ; la scène à des allures de déclaration. Elle prend alors une voix plus posée et pendant qu'elle chante « …Im crazy for tryin, Crazy for cryin, And Im crazy For lovin you » on sent toute la force du duo, sa complicité, sa puissance.

Après une heure de concert et plusieurs « mercis », ils s'éclipsent pour quelques minutes avant de refaire leur apparition, lui au clavier, elle au micro, pour entamer la magnifique « The Last Goodbye ». Un moment intime et chaleureux où du balcon on voyait la foule s'illuminer de quelques briquets. Trois titres plus tard ils lèvent leurs verres au public et saluent L'Olympia une dernière fois.

On se fiche pas mal de savoir à quoi carburent ces deux-là, pourvu qu'ils nous donnent toujours un spectacle aussi électrisant !

JASMINA MASCHINA - Alphabet Dream Noise

Nicolas Pelletier — 2012-02-07T15:12:00Z

(3.5/5) La musique de Jasmina Maschina est particulière : vaporeuse, hypnotique, mystérieuse. On y retrouve des éléments qui rappellent autant Lykke Li et Björk que des formations plus sombres comme Pit Er Pat ou Sian Alice Group.

On nage dans un flou artistique — probablement voulu — sur le deuxième opus de Jasmina Guffond. On veut faire vaquer notre esprit ailleurs, visiblement, mais difficile de comprendre où exactement. Sur Noise is Noise and Feelings are Feelings, les notes éparses jouées à la guitare bourrée d'effets accompagnant la mince voix de Jasmina Guffond sont graduellement remplacées par des sons concrets qui, ma foi, créent un bruit de fond amplifié. « Noise is Noise... » effectivement. La pièce suivante voit réapparaître cette douce guitare électrique, mais cette fois c'est le chant qui devient incompréhensible dû à un effet découpant les sons. Une berceuse psychédélique, en quelque sorte. Puis, sur Sun, on nous envoie dans l'espace sidéral tel que le font les meilleurs groupes de dream pop électronique comme T.V.La.S.Un.Or ou Orchestra de Soleil. Il y a un petit côté Residents dans le côté délire variable d'une pièce à l'autre (sans les angles macabres et agressifs) combiné à une influence Tangerine Dream / Dead Can Dance. Les moments les plus intéressants surviennent lorsque des sons concrets, presque industriels, constituent le fond de ses morceaux, comme sur The City is Moving Like a Map, enrichissant de beaucoup ses airs peu mélodiques. Le tout demeure assez relaxant.

La musicienne australienne Jasmina Guffond a déménagé ses pénates à Berlin avant de produire elle-même son premier album, en 2008 « The Demolition Series ». Après une longue tournée qui l'a menée en Europe, en Chine et dans son Australie natale, elle a enregistré un « split CD » en 2010 puis ce nouvel album dont nous vous parlions aujourd'hui.

Desc. : Dreamy ambiant pop fragile
R.S.V.A. : Sian Alice Group, Auburn Lull, Lia Ices

CLOUD NOTHINGS - Attack On Memory

Thomas Jennequin — 2012-02-06T15:10:00Z

(4/5) Troisième album de la formation Cloud Nothings, Attack On Memory est de loin leur album le plus convaincant ! Cette fois-ci c'est un album de band et ça s'en ressent, le son a beaucoup plus de profondeur que dans les opus précédents et rend le tout beaucoup plus intéressant.

Originaire de Cleveland, Dylan Baldi a créé Cloud Nothings en 2009 dans le sous-sol de la maison de ses parents. Il a par la suite était rejoint par TJ Duke à la basse, Jayson Gerycz à la batterie et Joe Boyer à la guitare. Depuis ils ont eu l'occasion de jouer aux cotés de bands tels que Fucked Up, Titus Andronicus ou encore Kurt Vile.

Attack On The Memory débute de la meilleure des manières avec la pièce ‘No Future/No Past', les influences (Radiohead, Nirvana des débuts) sont assez évidentes mais le morceau présente suffisamment d'éléments propres à Cloud Nothing pour ne pas avoir à souffrir de la comparaison. Sans aucun doute la meilleure toune de l'album, tout y est : une intro au piano bien sentie suivie par l'arrivée d'une ligne de basse efficace et d'un riff de guitare ‘catchy', le tout en vue de préparer l'apparition de la voix un peu lancinante de Dylan Baldi. La mélodie y est assez répétitive mais l'intensité avec laquelle elle est interprétée change au cours de la pièce. D'abord jouée sur un rythme lancinant entêtant elle passe progressivement à un style plus grunge voire punk parfaitement assumé. Le deuxième titre de cet LP, ‘Wasted Days' attirera sans doute également votre attention. Débuté façon grunge le son prend une tournure un peu plus noisy expérimental ce qui ajoute énormément de profondeur à cette pièce. Après cette entame très prometteuse, la suite de ce long jeu semble beaucoup plus conventionnelle. Si la qualité musicale y est indéniable le tout manque un peu d'originalité. Les pièces ‘Stay Useless' et ‘Our Plans' et leurs mélodies entrainantes ont sans aucun doute le potentiel de passer en boucle sur des radios ‘mainstream', mais vous laisseront un peu sur votre faim. Quant à la pièce ‘Sentiment', l'idée de s'aventurer un peu dans le post-punk est intéressante mais le tout est vraiment trop ‘influencé'.

Ainsi Cloud Nothings nous offre un très bon album avec Attack On Memory qui devrait plaire à tout amateur d'indie rock musclé. On regrettera tout de même qu'ils n'aient pas su garder l'inspiration des deux premières pièces tout au long de ce long jeu, mais rappelons que Dylan Baldi a à peine 20 ans et que s'il continue sur ce rythme il est promis à un bel avenir !

Cloud Nothings sera de passage à Montréal le 24 mars à la Casa Del Popolo, l'occasion de découvrir live ce groupe très prometteur !

Desc : Indie-rock Grungy
R.S.V.A : Shellac, Ulan Bator, Wavves

GIRARD, SIMON - Les écureuils sont des sans-abri

Josée Paquet — 2012-02-05T16:56:52Z

(2.5/5) « Il n'y a pas beaucoup de monde encore. Je me promène. Quelques belles filles, mais elles ont l'air tellement fades, je me demande ce qu'on pourrait dire pour se rendre au lit (leur lit). Ces filles sont plus ennuyantes que la mort et je suis prêt à être rejeté autant de fois qu'il faut pour qu'à la fin de la nuit il y en ait une autour de mon pénis. Je me mets à parler à toutes celles que je croise, seules ou en meute ».

On aime ou on n'aime pas. Point. Pas de juste milieu avec ce roman de Simon Girard, où le personnage, menant une vie de bohème, passe tour à tour de « pouceux » pour traverser le Canada, de vendeurs de sandwiches dans les bars à cobaye pour une compagnie pharmaceutique. En fait, chaque chapitre, telle une nouvelle quasi indépendante des autres, relate une partie de la vie de l'auteur, qui ne souhaite qu'une chose, de pouvoir vivre de sa plume, à n'importe quel prix. Pourtant, on ne peut s'empêcher d'admirer la ténacité de l'auteur à vouloir à tout prix vivre de sa plume ; très peu y parviennent, certes, mais ils ont tous commencé au bas de l'échelle. Souhaitons tout de même à ce jeune auteur de pouvoir réaliser son rêve.

Pour la grande littérature, on repassera ; le langage est très familier, blasphèmes inclus. Les mots plus recherchés s'entrecroisent avec ceux de registres langagiers moindres ; le personnage erre pendant toute l'histoire, et le lecteur se demande bien où il finira par aboutir (autant lui que le personnage). On se sent parfois mal à l'aise, voire un peu voyeur, lorsque l'auteur relate des scènes un peu plus intimes…d'accord pour la liberté d'expression, mais si on pouvait se garder une « p'tite gêne », non ?

Si vous recherchez un livre à prendre au second degré, celui-ci est pour vous ; autrement, passez go et ne réclamez pas 200 $. Un livre que vous trouverez soit génial, soit insipide, c'est selon.

ME & CASSITY - Appearances

Nicolas Pelletier — 2012-02-04T15:14:00Z

(1.5/5) La pop de Me & Cassity est assez insignifiante, sans aucun caractère ni mordant. Les mélodies sont agréables, mais peu originales : on les oublie aussitôt qu'elles se terminent.

Dirk Darmstaedter est l'auteur-compositeur-interprète qui se cache derrière ce nom de « groupe ». Il a bien fait ses classes en écoutant probablement Ben Folds, Paul McCartney et Howie Beck mais à entendre les petites notes d'harmonica lancées ici et là (dont sur The Last Troubadour), Me & Cassidy pourrait au mieux espérer être invité à chanter à l'émission Sesame Street. Il lui faudra faire des efforts pour sonner moins gentillet, moins « soft », moins plat pour mériter du précieux temps d'écoute. Il y a trop de bons bands pour qu'on ne s'attarde plus qu'une chanson ou deux de cet album.

Dirk Darmstaedter est le cofondateur de l'habituellement excellent label Tapete, qui nous a récemment livré les opus de Josh Ottum et Hellsongs. Darmstaedter, basé à Hambourg en Allemagne, en est à son 16e disque depuis 1988. Il en sortit sous son nom, sous Me & Cassidy (entre 1998 et 2004) et sous le nom The Jeremy Days (de '88 à '95).

Desc. : Pop
R.S.V.A. : Ben Folds, Zumpano, The Head & the Heart

HAUSCHKA - Salon des Amateurs

Nicolas Pelletier — 2012-02-03T15:15:00Z

(4/5) Une musique énergique, allumée, riche. Même sans l'usage de la voix, Hauschka réussit à capturer l'intérêt de l'auditeur grâce à une belle palette de sons provenant du piano et des percussions, mais également d'éléments électroniques et des séquences originales.

On garde ça simple : il ne suffit que de deux notes pour créer un canevas captivant sur Girls. Le pianiste Volker Bertelmann peut ensuite y greffer quelques motifs, mélangeant les passages rythmiques (toujours au piano) et les impros plus jazzées. Comme c'est souvent le cas sur cet opus, il en résulte une énergie contagieuse. Malgré le fait que Hauschka construit ses morceaux par couches d'instruments superposées, on n'y sent pas de redondance. Imaginez le Cinematic Orchestra avec en version vitaminée, en version plus rythmée, moins jazz ambiant. Sur Twoam, c'est presque pop !

Volker Bertelmann est un disciple du piano préparé. Inventé par le grand révolutionnaire John Cage au début du siècle, le piano préparé émet comme principe que le piano n'est pas condamné à n'émettre que les sons qu'il produit lorsqu'on appuie sur les touches du clavier. En ajoutant des éléments inusités (des trombones, par exemple, dans le cas de Cage) aux cordes à l'intérieur de l'instrument, le son produit au contact du marteau sur la corde s'altère. Le piano étant un instrument percussif, on peut ensuite imaginer que les surfaces sur lesquelles les marteaux frappent peuvent être remplacées, créant ainsi toutes sortes de nouvelles sonorités. Les éléments électroniques et les séquenceurs aidant, cette méthode a connu un nouvel essor dans les mains de pianistes à l'esprit aventureux comme Bugge Wesseltoft, Pascal Comelade ou Volker Bertelmann.

Originaire de Düsseldorf, Volker Bertelmann est un compositeur de l'avant-garde qui en est à son 9e album depuis 2004. Ne se limitant pas, comme Cage, qu'aux sons « préparés », ni qu'aux boucles répétées, comme Steve Reich, il réussit à nous livrer une musique mélodique et accrocheuse, en plus d'être unique.

Desc. : Classique avant-garde minimaliste pop
R.S.V.A. : Bugge Wesseltoft, Sylvain Chauveau, Cinematic Orchestra

NURSES - Dracula

Nicolas Pelletier — 2012-02-02T15:20:00Z

(2/5) Il y a quelque chose d'obsédant (ce qui est une qualité) dans la musique de ce trio de l'Idaho maintenant installé à Portland. Mais il y a aussi quelque chose d'irritant (ce qui n'est évidemment pas une qualité) qui semble provenir de la voix nasillarde du chanteur Aaron Chapman mais aussi de certains passages où la musique prend des airs inquiétants.

Sur You Lookin' Twice, on replonge dans le dark new wave des années 80, alors qu'à d'autres moments, c'est davantage vers les Legendary Pink Dots qu'on nous tire, sans jamais aller aussi loin dans la psychose. L'intro d'Extra Fast est même influencée par les Residents, mais le chant — pour une rare fois mélodieux — rapatrie le tout dans une ambiance noire, certes, mais jamais lourde. Ici aussi, certains passages très « 80 » comme les descentes de batterie électronique style beat box ressuscitent des (mauvaises) idées musicales. Pourtant, Chapman (chant, guitare, claviers), John Bowers (chœurs, claviers) et James Mitchell (percussions) sont capables de bien mieux : sur Through the Window, les rythmes en boucles et quelques notes inquiétantes de guitare électrique font appel à ce qu'on aimait de Portishead.

Ils sont aussi capables de mélodies accrocheuses, comme on l'entend sur So Sweet. Mais trop souvent, la voix d'Aaron Chapman donnera de l'urticaire à quiconque tente d'écouter ce disque plus d'une fois. Et c'est dommage, car autrement, ils pourraient se comparer aux Grizzly Bear ou Animal Collective de ce monde.

Desc. : Psyché-pop
R.S.V.A. : Fever Ray, Animal Collective, Atlas Sound

SLOAN - The Double Cross

Nicolas Pelletier — 2012-02-01T15:15:00Z

(1.5/5) Alors qu'on les croyait en pause indéfinie, voire définitive, la formation canadienne qui a surtout connu ses moments de gloire au milieu des années 90 est de retour, soulignant ses 20 ans de fondation, d'où le titre de l'album.

Sloan utilisait jadis une efficace recette pour pondre des morceaux archi-accrocheurs qui se démarquaient du grunge plus opaque qui sévissait à l'époque avec les Mudhoney, Soundgarden et autres Alice in Chains. Aujourd'hui, alors que ces dinosaures du grunge se sont pour la plupart tous tus, souvent faute de membres vivants, la musique de Sloan paraît plutôt légère. Unkind répète des paroles simplistes à répétition. Sur Shadow of Love, Chris Murphy, Patrick Pentland et compagnie ont littéralement repris le moule de David Bowie, époque Ziggy Stardust : accent typé et surtout guitare sonnant comme s'ils avaient réussi à ressusciter Mick Ronson (à ne pas confondre avec Mark, bien vivant). Sur She's Slowing Down Again, Sloan récupère les harmonies à la Beach Boys qui ont jadis été leur marque de commerce. C'est dynamique, c'est bien fait, mais comme partout ailleurs sur cet album, les compositions sont plutôt pauvres, inintéressantes, jamais mémorables.

Peu de mélodies transcendantes parmi cette sélection, bien malheureusement. Des pièces comme Your Daddy Would Do sont plutôt insignifiantes et donnent l'impression de musiciens super talentueux ne sachant plus trop comment (re)faire la recette pour que la sauce prenne. Seule Traces contient les agréables parfums de la belle époque.

On avait moins entendu parler du quatuor d'Halifax maintenant basé à Toronto depuis les beaux jours de « Twice Removed » (l'un des disques canadiens les plus populaires au Canada, même s'il n'avait presque pas été vu lors de son lancement en 1994), « One Chord to Another » et « Navy Blues », en 1998. Sloan a quand même continué à produire des albums, tentant de percer aux États-Unis, en vain. « The Double Cross » marque le 20e anniversaire (XXe) du premier concert de la formation dont les quatre membres écrivent chacun leurs chansons, se passant sur scène les différents instruments selon le rôle de chacun dans chaque morceau.

Desc. : Pop/rock
R.S.V.A. : Teenage Fanclub, Supergrass, The Apples in Stereo

STATIC - Freedom of Noise

Olivier Boivin — 2012-01-31T15:21:00Z

(2.5/5) Une nouvelle vague new wave semble reprendre du poil de la bête depuis l'exposition d'Andy Warhol au musée des Beaux-Arts, ou peut-être est-ce par l'explosion de créativité palpable en ces jours où l'accès facile à la technologique 2012 procure des possibilités musicales plus amples et libres. Pour être bref, autant de choix de sons numériques et de synthétiseurs derniers cris fait en sorte que presque tout semble dorénavant possible... Si comme moi vous avez mordu à l'hameçon d'un groupe atypique montréalais que je nomme haut et fort Claass, vous ne devriez pas être dépaysés par une formation berlinoise élaborée, Static. C'est le nom du projet solo principal d'Hanno Leichtman, leur dernier LP se nomme Freedom of Noise et possède son lot de matières grasses, pour ne pas dire matière grise.

Les nuances à faire avec un disque comme celui-ci sont irrévocables. Le chanteur manque à l'occasion d'entrain dans des pièces comme The Boy Who Ran into the Sun, sans tomber dans le désagréable toutefois, simplement, il ne semble pas être tout à fait à l'aise. Heureusement, les arrangements sont plus convaincants à d'autres endroits, jonglant entre des atmosphères tantôt free jazz sur Sad Rocket et même un peu de classique grâce à une harpe soigneusement utilisée sur Collage, Holz, Papier 2.

Le fil conducteur semblant peu défini, somme toute, Freedom of Noise se veut un album d'ambiance et au parcours incertain. Plus pop que rock, fragile et stagnant dans l'ensemble, Freedom of Noise est peu vibrant au point de nous faire décrocher sans remords. Ceci étant dit, certaines plages sont délicieuses et ce, sans y réfléchir trop longtemps. Je pense à la belle musique de voyage qu'est Sister Pain, des pièces plus croustillantes et remarquables mais qui se présentent tardivement sur l'album. À écouter pour les vrais mélomanes curieux d'avenues plus sinueuses.

Desc. : Électronique jazzy expérimental
R.S.V.A. : Kreidler, Console, To Rococo Rot